Comment faire estimer en ligne du mobilier Design 1950/1970 à Paris ?

Quels sont les critères que nos experts utilisent pour déterminer le prix, la valeur de votre mobilier Design ?

Voici quelques éléments déterminants à l’estimation gratuite de votre mobilier Design 1950/1970 :

• Présence d’une signature
La signature du peintre présente des analogies avec la présence de l’estampille dans l’ébénisterie et la menuiserie. Il faut attendre l’année 1743 pour que l’estampille se généralise sur les meubles. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, selon les nouveaux règlements de la corporation, la marque individuelle de l’ébéniste doit figurer avec la marque collective de la corporation.
Jusqu’à la renaissance, les oeuvres sont souvent anonymes et il faut attendre la seconde moitié du XVIII ème siècle avec le développement du marché ainsi que la création des salons officiels de peinture et de sculpture pour voir apparaitre des oeuvres signées et datées. François Boucher ou Joseph Vernet, peintres à la mode au 18 ème siècle utilisent leur nom pour valoriser leur travail. On assiste alors la construction d’une identité artistique par la présence d’une signature ou d’un monogramme.La forme cursive s’impose et se rapproche de la signature manuscrite de l’artiste. Parfois, avec la signature de l’artiste et la date on peut lire pinxit, delineavit, fecit, faciebat ou invenit.
Mais c’est au XIX ème siècle que la signature devient un élément essentiel d’appréciation de l’oeuvre en jouant un rôle dans l’évaluation financière et dans l’authentification.
Parfois dissimulées dans la composition, elle peut apparaitre sous forme d’un monogramme accompagné d’une date et d’une localisation.
La présence d’une signature ou d’un monogramme sur une toile ancienne, d’une estampille sur une commode ou un siège ne rend pas l’oeuvre authentique car rien n’est plus simple que d’imiter une signature ou une estampille; seul l’expérience et l’oeil d’un expert permet de déterminer si les marques et signatures sont authentiques.

• Les dimensions de votre oeuvre
Les dimensions de votre objet d'art sont essentielles pour l’estimation de votre oeuvre; veuillez nous communiquer les dimensions « hors cadre » de votre peinture. Pour l’estimation d’une sculpture, veuillez nous communiquez la hauteur ainsi que la longueur du socle.

• La description de votre oeuvre
Veuillez nous communiquer tous les éléments en votre possession concernant la provenance :
Achat en vente aux enchères, chez un antiquaire, succession, partage, don…
Le titre de l’oeuvre
Les expertises déjà réalisées (assurance, héritage)
Tous éléments susceptible de nous aider dans l’évaluation de votre objet d'art

• Les photographies de votre oeuvre d'art
Pour permettre à nos experts de vous communiquer une estimation réaliste, quelques conseils pour prendre les photos de votre oeuvre :
Prendre votre objet d'art de face
La signature en plan large
Des détails de votre objet d'art
(ex: Le dos du tableau et toutes mentions manuscrites et étiquettes d’expositions ...).

• Restaurations anciennes
L’état de conservation est un élément essentiel d’appréciation d’une oeuvre d’art.
Il faut identifier les restaurations anciennes, les repeints. Il faut aussi s’assurer qu’il s’agit ou non de la toile d’origine (rentoilage, transposition etc).

• L’encadrement
Le cadre fait partie intégrante de la peinture, et il joue un rôle essentiel dans la mise en valeur de celle - ci.
Il permet également de protéger la peinture contre les dommages.
Les cadres anciens du 17 ème et du 18 ème sont sculptés et dorés. Au 19 ème, ils sont moulés et décorés d’éléments en stuc ou plâtre.

Comment nos experts vont évaluer votre mobilier Design ?

Notre spécialiste va estimer votre objet d'art en le comparant dans un premier temps à des oeuvres similaires déjà présentées et vendues dans une vente aux enchères en France.
Puis avec l’ensemble des éléments fournis (nom de l’artiste, présence d’une signature, dimensions de l’oeuvre, état de conservation), nous pourrons analyser votre objet d’art et sous 48h, vous recevrez par mail une première estimation gratuite de vos objets d’art et de collection.
Nos spécialistes ont bien évidemment une parfaite connaissance des mécanisme du marché de l’art.

Faut-il se déplacer avec son mobilier Design pour obtenir une estimation gratuite ?
Avec Artexpertise-Paris.com pas besoin de vous déplacer avec votre mobilier Design.

Dans un premier temps, faites nous parvenir le formulaire d’estimation gratuite en ligne pour une évaluation confidentielle de vos oeuvres dans les plus brefs délais.
Envoyez-nous les photos de ces objets d'art de votre ordinateur et nos experts et commissaires - priseurs partenaires vous répondront dans les meilleurs délais.
Si vos photos sont trop nombreuses ou trop lourdes, envoyez nous directement votre demande en cliquant sur ce lien estimation@artexpertise.fr

 
Quel est le coût d'une estimation en ligne de mobilier Design ?

L’estimation de vos oeuvres est totalement gratuite mais aucun document écrit ne vous sera fournis.
Les valeurs communiquées sont donc indicatives et elles ne peuvent, en aucun cas être utilisées à toutes fins.
D’autre part, cet avis ne vaut pas expertise.

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Comment faire expertiser gratuitement du mobilier Design à Paris ?

Pour confirmer l’estimation qui vous a été communiquée par mail par notre service d’estimation, il faut procéder à l’analyse visuelle de vos objets d’art.

• Comment notre expert réalise t’il l’expertise visuelle de mobilier Design ?

L’expert qui sera en charge de l’estimation de vos objets d’art et de collection doit se munir d’outil comme une loupe éclairante, une lampe de Wood pour mettre en évidence une signature apocryphe, des restaurations anciennes, des repeints etc.

D’autre part, l’expert doit aussi s’appuyer sur une documentation spécifique : catalogues raisonnés de chaque artiste, publications universitaires, travaux de recherches, catalogues de vente aux enchères. Parfois, un déplacement dans une fondation, dans une bibliothèque s’avère nécessaire pour consulter des ouvrages rares (Fonds patrimoniaux)
Il peut également consulter les sources disponibles sur Internet sur les bases de données des musées nationaux, des galeries d’art ou des fondations étrangères.

• Est-il nécessaire de se déplacer avec son mobilier Design pour effectuer une expertise gratuite ?

Dans un premier temps, faites nous parvenir le formulaire d’estimation gratuite en ligne pour une évaluation confidentielle de vos oeuvres dans les plus brefs délais.
Envoyez-nous les photos de ces tableaux de votre ordinateur et nos experts et commissaires - priseurs partenaires vous répondront dans les meilleurs délais.
Si vos photos sont trop nombreuses ou trop lourdes, envoyez nous directement votre demande en cliquant sur ce lien estimation@artexpertise.fr
Si vous ne pouvez pas vous déplacer ou transporter les oeuvres concernées, nous pouvons nous charger du transport des oeuvres.
Nous pouvons également effectuer un déplacement à votre domicile (sous conditions).

• Comment faire authentifier un mobilier Design ?

Notre expérience du marché, la parfaite connaissance des procédures d’authentification nous permettent d’authentifier les oeuvres soumises et obtenir auprès des comités les certificats nécessaires à la mise en vente de vos tableaux, sculptures, antiquités asiatiques et objets d’art.
N'hésitez pas à nous contacter afin de assister pour l'expertise et la mise en ventes de vos peintures, sculptures et objets de collection.

• Où faire expertiser mon mobilier Design ?

Vous trouverez à Paris, des salles des ventes aux enchères, des Commissaires - priseurs, des Experts en tableaux, antiquités et objets d’art, des antiquaires spécialisés.
Mais lorsque l’on vit à Paris (75) et que l’on veut faire estimer et vendre un tableau, une sculpture, un objet d’art, il est bien difficile de choisir parmi ces multiples possibilités et de trouver la solution idéale pour l’estimation et la vente de peintures anciennes, contemporaines, d’antiquités et d’objets d’art.
Grâce à la digitalisation du marché de l’art et la dématérialisation de l’estimation d’objets d'art, vous pouvez effectuer une demande d’estimation de votre tableau, de votre peinture et de vos objets d’art de chez vous en nous envoyant simplement des photographies par email. Vous accéderez alors au service d’estimation de Artexpertise-Paris.com, site d’expertise en ligne compétent dans une quinzaine de spécialités, dirigé par un expert expert agréé et un commissaire - priseur renommé.

• L’expertise en ligne du mobilier Design est facturée ?

L’expertise en ligne d’une oeuvre par les services de Artexpertise-paris est totalement gratuite mais ne vaut pas expertise. Il faudra ultérieurement procéder à une expertise visuelle de votre tableaux et de vos objets d’art pour confirmer l’authenticité et la valeur.

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Comment vendre au meilleur prix du mobilier Design à Paris ?

La vente aux enchères est le moyen le plus efficace en France pour vendre au meilleur prix des oeuvres d’art de toutes époques.

Les services de Artexpertise-Paris sont à votre disposition pour procéder à la mise en vente aux enchères de vos tableaux et objets d’art en vous proposant le dispositif suivant

- Mandat de vente aux enchères par email

- Edition d’un catalogue papier adressé à notre clientèle nationale et internationale dans lequel toutes les oeuvres sont reproduites.

- Dispositif digital : Catalogue en ligne sur Interencheres.com, Drouot.com + Vente en live sur Interenchères live et Drouot live.

- Publicité (Gazette Drouot, Gazette Internationale, Antique trade Gazette etc…)

- Attachée de presse pour la médiatisation de chaque vente.

Première étape pour la mise en vente aux enchères de votre mobilier Design :

• Demandez une estimation préalable de vos biens, d'après photographies.

• Pour réaliser une estimation gratuite, veuillez utiliser le formulaire en ligne de demande d'estimation gratuite.

Deuxième étape pour la mise en vente aux enchères de votre mobilier Design :

• Dépôt des oeuvres pour expertise approfondie.

• Si vous prenez la decision de nous confier à la ventes les objets estimés, une expertise visuelle s'impose, avant. Pour cela, il vous suffit de déposer les objets chez l’un de nos experts parisiens partenaires.

Troisième étape pour la mise en vente aux enchères de votre mobilier Design :

• Mise en vente aux enchères de votre objet d'art et de collection.

• Une fois l'expertise réalisée, nous déterminons une date de vente, en fonction du calendier des ventes aux enchères à venir.

• Réglement par Rib cinq semaines après la vente.

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Histoire du Design :

Le design est une activité de création souvent à vocation industrielle ou commerciale, pouvant s’orienter vers les milieux sociaux, politiques, scientifiques et environnementaux. Le but premier du design est d’inventer, d’améliorer ou de faciliter l’usage ou le processus d’un élément ayant à interagir avec un produit ou un service matériel ou virtuel. Un des rôles du design est de répondre à des besoins, de résoudre des problèmes, de proposer des solutions nouvelles ou d’explorer des possibilités pour améliorer la qualité de vie des êtres humains, que ce soit dans les sociétés industrielles occidentales (où le design est né) ou dans les pays en voie de développement (design humanitaire). La pluridisciplinarité est au cœur du travail du designeur, dont la culture se nourrit aussi bien des arts, des techniques, des sciences humaines ou des sciences de la nature.

Le design est à distinguer des arts décoratifs, expression apparue dans les années 1870 comme pendant aux beaux-arts dans la création d'objets d'art. Le design est lié à l'innovation technique, à la production en série, et à l'esthétique contemporaine, tandis que les arts décoratifs relèvent de l'artisanat d'art, c'est-à-dire de techniques traditionnelles, à l'esthétique souvent ornementale et figurative et d'une production à l'unité ou en petite série. Cependant, les frontières ne sont pas étanches : un réverbère parisien en fonte du xix^e siècle relève du même processus que le design car même s'il présente des ornements, il est issu d'une technique innovante pour l'époque et il est produit en nombre ; de même, certains designeurs signent des pièces en petite série, pour le marché de l'art notamment, surtout depuis les années 1970. Sollicité par le marketing depuis les années 2000, le design est peu à peu devenu un argument publicitaire. « Design » est devenu, à tort, un adjectif qualifiant un style aux formes simples et d'une apparence épurée. Il succède ainsi à l'aspect traditionnel des modèles de style.

Dans sa part artistique, il repose sur un travail des formes qui rappelle celui de la création artistique et qui peut concerner aussi bien des formes spatiales (design d’espace, architecture intérieure), volumiques (design de produits, design industriel), textiles (design de mode, stylisme), graphiques (design graphique, graphisme) ou interactives (design interactif, design d’interaction, design numérique). Ce travail sur les formes explique l’importance des considérations esthétiques dans le champ du design, mais ne doit pas masquer l’importance tout aussi grande des considérations fonctionnelles, techniques, environnementales, biologiques, juridiques, économiques, sociales et politiques, voire philosophiques, qui sont au cœur du travail du designeur, considéré comme l’un des grands métiers de la conception, avec ceux de l’architecte ou de l’ingénieur.

Les Lumières puis la révolution industrielle introduisent tous les aspects qui seront caractéristiques du design : rationalisation, reproduction à bas coût/bon marché, interchangeabilité, motorisation/mécanique, coque/emballage, démontable/kit, etc., en plus de domaines générateurs de nouveaux usages (communication, bureautique, transports aérien, ferroviaire et automobile, tourisme, industrie du luxe...) et de nouvelles technologies.

Quelques objets catalysent déjà le design industriel tel qu'on le connaîtra au xx^e siècle. À partir des années 1840, le Viennois Michael Thonet développe un procédé de fabrication, le cintrage de bois de hêtre massif, courbé sous pression à vapeur. Sa chaise  dite« bistrot » devient une référence, vendue à 50 millions d´exemplaires entre les années 1859 et 1914. Cependant, il s'agit encore là de réalisations exceptionnelles.

Une nouvelle dimension apparaît dans le design au milieu du xix^e siècle : l'originalité (ou créativité). Si les aspects constitutifs du design sont en place, il en va alors tout autrement des formes, qui restent pour la plupart du temps attachées à la copie de style du passé ou éclectisme. Cette copie confine souvent à l'amalgame de mauvais goût. C'est en réaction contre cette dérive que naît le mouvement Arts & Crafts en Angleterre au milieu du xix^e siècle sous l'égide du critique d'art John Ruskin et de l'écrivain, peintre, décorateur et théoricien William Morris. En 1888, commencent les premières expositions du groupe. Morris et ses amis veulent créer des formes nouvelles en accord avec la fonction des objets et prônent le retour au Moyen Âge et aux motifs inspirés par la nature : à la culture médiévale, ils empruntent la notion de travail collectif issu des corporations, le rationalisme gothique qui offre une simplification des lignes, et l'union des artisans et des artistes ; dans la nature, ils puisent des nouvelles sources d'inspiration et des principes de stylisation. La création d'une entreprise et la commercialisation sont un succès. D'autres groupes Arts and Crafts se créent en Angleterre et de par le monde, qui n'entreprennent pas pour autant de dénoncer le côté aliénant et inhumain de l'industrie comme le fait William Morris. Bien que la notion de design chez William Morris reste encore liée aux arts décoratifs, il apparaît comme une figure fondatrice du design en raison de l'importance de la recherche d'une créativité dans ses produits.

La créativité quitte la figuration pour l'abstraction des formes avec le Second Art Nouveau, dans les premières années du xx^e siècle. Entre 1905 et 1911, Josef Hoffmann élève le palais Stoclet, somptueuse villa urbaine conçue à Bruxelles comme une œuvre d'art totale pour le compte d'un financier belge. Charles Rennie Mackintosh et Frank Lloyd Wright, à la même époque, posent les bases des lignes épurées et simplifiées qui vont devenir le synonyme de « design », en construisant villas et mobilier pour une bourgeoisie libérale américaine ou écossaise avide de nouveautés.

Le design industriel apparaît en Allemagne au début du xx^e siècle. Dès 1907, l'architecte Peter Behrens est engagé comme consultant artistique pour la firme d'électricité AEG. Directeur d'une agence de design « intégrée » au sein de la firme, il réalise le premier design industriel global : usine de turbines, catalogue des produits, objets électriques, logo, etc. Il établit la profession de designeur comme profession libérale, au même titre que celle d'ingénieur, d'architecte, d'artiste, etc. Véritable pionnier, son bureau de style attire l'attention de créateurs et d'architectes, dont le jeune Le Corbusier. Behrens met en place un langage des formes efficace, à la fois simple, moderne et esthétique, qui adapte les conceptions artistiques du Second Art Nouveau à l'univers du produit industriel. Il jette ainsi les principes du fonctionnalisme.

Le fonctionnalisme

Le fonctionnalisme est une doctrine esthétique qui peut se résumer par la célèbre expression de Louis Sullivan, « la forme suit la fonction ». Né à la fin du xix^e siècle, il engendre l'école de Chicago, puis le Deutscher Werkbund, les Wiener Werkstätte ainsi que le Bauhaus. Pour Louis Sullivan, le fonctionnalisme est le résultat d'une observation et d'une compréhension des processus évolutionnistes de la nature. Chaque forme a une nécessité, il n'y a pas de superflu dans la nature bien qu'elle soit « séduisante ». Bien que le concept fonctionnaliste paraisse très simple, il y a eu beaucoup de divergence sur les interprétations et en particulier sur la définition de la fonction. C'est ainsi que rationalistes (« la fonction, c'est ce qui est utile ») et expressionnistes (« les émotions sont aussi une fonction ») se revendiquent également fonctionnalistes. Le fonctionnalisme domine le design moderne jusqu'à sa remise en cause par certains post-modernes à partir de 1968.

Le Bauhaus et les années 1920

Après-guerre et design organique

La période d'après-guerre que Penny Sparke  appelle le néomodernisme présente une large adoption par les designeurs des deux bords de l'Atlantique de formes fluides, rondes, souples : il va être qualifié de design organique. Alvar Aalto instaure dans ses réalisations de mobilier le procédé du lamellé-collé de bois déjà utilisé dans l'architecture depuis le début du xx^e siècle. Au niveau des matériaux, le tube d'acier, omniprésent dans le design des années 1930, se voit remplacé par les plastiques. De Scandinavie viennent aussi Arne Jacobsen et sa fameuse chaise Fourmi ou son fauteuil Œuf, Eero Saarinen et sa chaise Tulip alors que les formes totalement organiques du terminal TBWA de l'aéroport international de New York - John-F.-Kennedy (1956-1962) séduisent le public. Le céramiste et verrier Kaj Franck, l'ébéniste Hans Wegner, le touche-à-tout Tapio Wirkkala complètent la série de l'éclosion artistique scandinave.

Parmi les designeurs de cette époque phare - les fifties américaines battent leur plein - mentionnons les Américains Charles et Ray Eames ou George Nelson. Eliot Noyes, actif auprès d'IBM, donne une forme organique et sympathique aux machines à écrire produites pour la bureautique - on lui doit aussi le pavillon IBM lors de l'Expo 1964 à New York.

Les Italiens Gio Ponti, Carlo Mollino, Marcello Nizzoli accompagnent le boum de l'industrie italienne de l'après-guerre et créent les icônes de La Dolce Vita : vespa, machine à expresso, belles carrosseries, etc. On doit à Flaminio Bertoni les lignes des Citroën depuis la Traction Avant en passant par la 2CV jusqu'à la DS.

En Allemagne, la tradition artistique issue du Bauhaus renaît avec la Hochschule für Gestaltung Ulm. Parmi les designeurs allemands de cette période, citons Hans Gugelot, Dieter Rams prend la direction artistique des produits Braun GmbH.

Au Royaume-Uni, Ernest Race crée un style « moderne », l'équivalent pour le design du New Look de Christian Dior, immédiatement repris dans toute l'Europe. Robin Day et sa femme Lucienne, nous ont laissé des textiles au style fifties immédiatement reconnaissables. Douglas Scott dessine le bus rouge à impériale, devenu depuis l'une des icônes anglaises.

Le Japon, autre puissance industrielle de cette époque, ne nous a pas laissé de designeur de premier plan, mais le design, anonyme, produit par les équipes de sociétés comme Sony témoigne d'un fort professionnalisme dans ce pays.

Après-guerre du « Modernisme conservation »

Dans son livre 100 ans de design, Penny Sparke crée cet oxymore à propos de ces grands artistes de l'entre-deux-guerres, certes producteurs de lignes épurées et adeptes du modernisme, mais qui ne sont pas, pas plus hier qu'aujourd'hui, considérés comme des designeurs. Ce qui les rassemble ? Ils créent des pièces uniques mariant des matériaux modernes et matières luxueuses traditionnelles, pour une clientèle richissime.

Citons parmi ces modernistes conservatifs largement célébrés lors de l'Exposition des Arts Décoratifs, les décorateurs-ensembliers français Jacques-Émile Ruhlmann et Jean Dunand, ce dernier surtout célèbre pour ses laques, ou Eileen Gray, Anglaise active essentiellement à Paris. Ailleurs, l'Autrichien Josef Frank ou l'Américaine Sylvie Maugham font, dans leurs pays respectifs, envie aux classes moyennes qui voient dans les premiers magazines de décoration, leurs réalisations.

1960-1980, autocritique du design et réinvention poétique

Entre 1961 et 1974, le mouvement anglais Archigram, mené entre autres par Peter Cook, développe une architecture sans fondation, purement théorique, et édite une revue d’architecture. Ses membres réagissent à l'ère de la consommation et développent un travail portant sur le pop art, les mass media et l'électronique.

À la fin des années 1960, parallèlement au mouvement d'architecture radicale (ou design radical), l’antidesign, porté par les œuvres de Joe Colombo, repense l'habitat à partir du design et contre les formes hiérarchiques de l'architecture. « La capsule insiste sur sa stupéfiante concordance avec l'émancipation disciplinaire du design à la fin des années 1960 quand il tente de se libérer de ces tutelles historiques pour s'imposer comme une discipline idoine de l'habitat. Cette position est notamment illustrée par l'œuvre de Joe Colombo. Il invente les conditions d'une vie quotidienne moderne en correspondance avec le monde dans un rapport harmonieux espace-temps et invite ses pairs à repenser complètement l'habitat à partir du design. »17

L’agence italienne Archizoom, est fondée en 1966 à Florence en Italie par Andrea Branzi, Gilberto Corretti, Paolo Deganello, Massimo Morozzi, Dario Bartolini et Lucia Bartolini. Le groupe Superstudio est fondé en 1966 à Florence en Italie par Adolfo Natalini et Cristiano Toraldo di Francia. Natalini écrit en 1971 : « si le design est plutôt une incitation à consommer, alors nous devons rejeter le design ; si l'architecture sert plutôt à codifier le modèle bourgeois de société et de propriété, alors nous devons rejeter l'architecture ; si l'architecture et l'urbanisme sont plutôt la formalisation des divisions sociales injustes actuelles, alors nous devons rejeter l'urbanisation et ses villes… jusqu'à ce que tout acte de design ait pour but de rencontrer les besoins primordiaux. D'ici là, le design doit disparaître. Nous pouvons vivre sans architecture. »

Le Groupe de Memphis est fondé par Ettore Sottsass en 1980, le mouvement est une réaction au style international, marqué par une production humoristique et poétique.

Droog Design est découvert au Salon international du meuble de Milan en 1993 dans l'exposition off de la Design Academy d'Eindhoven. Caractérisé par une impertinence, une approche critique et décalée, les productions font souvent figure de manifeste. C'est une fondation dirigée par l'historienne d'art Renny Ramakers et le designeur Gijs Bakker, tous deux originaires des Pays-Bas. Droog Design se définit comme un label et regroupe des designeurs internationaux convergents sur cette même approche (Jan Konings, Jurgen Bey, Marcel Wanders, Tejo Remy, Piet Hein Eek...) Ce mouvement est avant tout un pied de nez au design institutionnalisé, aux formes fluides et fonctionnelles. Ce groupe est très lié aux idées des années 1960-1970, notamment le design radical. Le phénomène a véritablement ouvert une brèche dans les enjeux de la discipline et dans nos références culturelles.(Contenu soumis à la licence CC-BY-SA 3.0. Source : Article Design de Wikipédia en français (auteurs).

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Liste des décorateurs et designers que nous recherchons pour nos clients collectionneurs :

Jean Royère, Joe Colombo, Charles eames, Garouste et bonetti, Poul Henningsen, Arne Jacobsen, Marc Newson, Le Corbusier, Charlotte Perriand, Knoll, Mategot, Olivier Mourgue, Georges Nelson, Gaetano Pesce, George Nakashima, Gio Ponti, Verner Panton, Noll, Pierre Paulin, Jean Prouvé, Poul Kjaerholm, Ico Parisi, Charles Perriand, Oscar Niemeyer, Gae Aulenti, Alexandre Noll, Georges Jouve, Gino Sarfatti, Pierre Paulin, Alvar Aalto, Finn Juhl, Eero Arnio, Yonel Lebovici, Serge Mouille, Roger Talon, Maison Charles, Pierre Paulin, Gio Pomodoro, Florence Knoll, Alvar Aalto, Ettore Sottsass, Guillaume Piechaud, Philippe Hiquily, Gaetano Pesce, Elisabeth Garouste, Mattia Bonetti Maria Pergay Jean Perzel  Ron Arad Werner Neumann, Line Vautrin, Pierre Paulin, Erwin et Estelle Laverne, Mario Bellini, Eero Aarnio, Georges Nakashima, Jean Prouvé, Cassina, Steiner, Yonel Leibovici, Olivier Mourgue, Preben Fabricius, Pucci de Rossi, Maison Charles, Knoll éditeur, Maurice Calka,  Ron Arad, Shiro Kuramata Ico PARISI Osvaldo Borsani Garoute et Bonetti, Katavolos, Achille castiglioni Ingo MAURER Ettore Sottsass Martin Szekely Arteluce Ado Chale Pierre Chapo Stilnovo Axel Salto Michel Boyer Pierre Cardin Gabriella Crespi Alain Demachy François Arnal Archizoom Alessandro Mendini Atelier A ...

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